Leggere un'opera d'arte
hanno già lanciato i loro dardi; la colonna e la città in rovina sullo sfondo rappresentano simbolicamente la fine del “mondo pagano” e l’avvento del
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Nel corso di tre secoli gli artisti hanno affrontato il tema prediligendo di volta in volta alcuni dei momenti della storia.
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con cui gli artisti hanno sviluppato il tema.
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stelo con due occhi, simboli che non hanno nessuna relazione con il suo martirio ma che riguardano il suo nome e il contatto col divino. In alcune
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hanno potuto attingere per dare nuova vita alle gesta di guerrieri, dei ed eroi.
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L’arte vascolare, la statuaria e gli affreschi murali hanno rivelato la vitalità del tema e con le loro immagini hanno stimolato l’immaginario dei
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di Carracci) nell’affresco di Palazzo Verospi, a Roma, usa il secondo. In genere le due iconografie citate hanno come pendant il tema riguardante il
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Questa immagine sembra rivelarci la fatica quotidiana attraverso la quale i due hanno raggiunto la loro agiatezza; per farsi ritrarre hanno assunto
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vengono raffigurati all’interno della camera nuziale, dove peraltro compaiono degli elementi che hanno una funzione simbolica, come ad esempio il cane, che
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Visione incerta: È il tipo di composizione in cui tutti gli elementi hanno più un aspetto di “apparenza” che di “sostanza”. Ciò avviene nella visione
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123), tanto per citare alcuni nomi, hanno affidato alla luce il compito di catturare la momentaneità del reale. Le “sensazioni colorate” non sono altro
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Questo genere di composizioni hanno come indubbio motivo ispiratore le mutate condizioni economiche dell’Olanda, che avevano consentito un diffuso
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Le scene di cucina hanno una grande affinità con quelle di mercato, mentre queste ultime palesano l’aspetto della commercializzazione dei prodotti
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Un altro aspetto della natura morta è relativo alla rappresentazione allegorica dei cinque sensi, dove tutti gli oggetti dipinti hanno il compito di
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imprime al contorno una vibrazione lineare e conferisce una certa durezza. Tra gli artisti che hanno usato questo stile bisogna annoverare: Giotto
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ghirlanda, che hanno una valenza simbolica. Daniel Seghers, allievo di Jan Bmeghel il vecchio, fu uno degli artisti che con successo si dedicarono a
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La sua era una pittura dai toni brillanti, e i suoi fiori hanno una luce interna, non sono cioè soggetti ad una fonte di luce esterna ma sembrano
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attrattiva, hanno ventri gonfi, seni piccoli o cadenti, corpi sovrabbondanti od ossuti. Il Surrealismo trova il maggior interprete del nudo in Salvador Dalì
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mostrerà la minima debolezza, sono donne che non hanno ormai niente da spartire con le Veneri che nel corso di tutta la storia dell’arte si sono divise l
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pesce. La prospettiva a fuoco centrale è il risultato di un processo di razionalizzazione a cui hanno concorso alcuni tra i più grandi artisti del
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diversi. Molte opere del Rinascimento hanno un colore di tipo zonale, come il famoso Tondo Doni di Michelangelo, che abbiamo già citato, ma è soprattutto
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da un’altra forma: i colori “acuti” hanno maggiore risonanza cromatica se contenuti in forme appuntite, mentre i colori “profondi” prediligono forme
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, come mostri, draghi, chimere, ma la ragione va ricercata nella realtà: molti animali appartenenti alla categoria dei rettili e degli anfibi hanno
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’infanzia hanno stabilito che la preponderanza di questo colore nei disegni dei bambini denota un sentimento di tristezza.
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La tradizione vuole che la pittura ad olio sia un’invenzione di Jan van Eyeck, ma studi recenti hanno dimostrato che questa tecnica era già
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quelle immagini che hanno un significato diverso rispetto a ciò che illustrano.
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L’esperienza della pura visibilità e il metodo di Panofsky hanno codificato una prassi secondo la quale la “lettura di un’opera d’arte” può essere
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che in realtà per fioritura si intende la trasformazione della verga che diviene verde, ma gli artisti hanno voluto richiamare il fatto facendo
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sono intenti a mantenere la tunica del Cristo o compiono azioni che hanno un significato simbolico. Piero della Francesca nel dipinto il Battesimo di
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Due sono i principali modi iconografici attraverso i quali gli artisti hanno illustrato l’avvenimento.
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, nella cui parete di fondo è il tavolo con Gesù e gli apostoli. Gli apostoli sono riuniti in gruppi di tre ed hanno espressioni che corrispondono alla
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I pittori manieristi hanno spesso interpretato l’episodio e tra tutti si distingue Rosso Fiorentino con la sua Deposizione nella Pinacoteca di
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, al centro, con il braccio destro in atteggiamento benedicente, mentre i due discepoli hanno un moto di soprassalto. Il personaggio a destra, che ha
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Accademia della crusca
